La cornice oltre a incorniciare una tela è una testimone del gusto del suo proprietario, all’interno di un preciso contesto storico, artistico e culturale. È quindi la più mobile degli arredi, capace di evolversi con duttile creatività attraverso i secoli. Fino al Quattrocento la cornice era parte integrante e indivisibile del quadro, ma alla fine del secolo si afferma la cornice mobile, come quella a tabernacolo, che nei primi anni del Cinquecento si evolve in quella a cassetta, perfetta per una galleria di ritratti ad uso prevalentemente privato.  Elegante, semplice e lineare, liscia o dipinta, resterà a lungo la più diffusa, declinata in numerose varianti a secondo delle zone di provenienza. Nelle versioni più lussuose venivano arricchite con decori a pastiglia, con motivi bulinati o incisi, e dorati con la tecnica a foglia d’oro. Dal tardo rinascimento assistiamo ad una progressiva distanza tra il dipinto e la sua incorniciatura, oramai intesa come un oggetto a sé stante di alto artigianato, sostituibile secondo la moda e il gusto del collezionista…

Uno degli incontri più significativi nella maturità artistica di Antonio Mancini (Roma, 1852 – 1930) fu quello con Daniel Sargent Curtis, collezionista americano e raffinato promotore delle arti, che insieme alla moglie ariana Wormeley Curtis trasformò Palazzo Barbaro sul Canal Grande in uno dei più importanti centri della cultura internazionale a Venezia. Il rapporto tra l’artista e la famiglia Curtis superò il tradizionale rapporto tra pittore e committente, configurandosi come una profonda consonanza culturale all’interno del raffinato ambiente internazionale che animava la dimora veneziana. Particolarmente significativo fu il legame con Ralph Wormeley Curtis, figlio di Daniel e ariana, pittore e appassionato conoscitore d’arte, che disponeva a Palazzo Barbaro di un proprio studio. Tra i due artisti si instaurò un rapporto di reciproca stima e frequentazione, alimentato dagli scambi nei rispettivi atelier e dalla comune appartenenza a quell’ambiente veneziano internazionale che riuniva personalità come John Singer Sargent, Henry James, James McNeill Whistler ed Ettore Tito. Per Mancini Palazzo Barbaro rappresentò non soltanto una prestigiosa sede di committenze, ma un luogo privilegiato di confronto con una cultura figurativa internazionale…

Se Henri Jayer è divenuto una leggenda nel mondo della viticultura della Borgogna, è per un piccolo terreno, le Cros Parantoux, situato nella parte più alta e più impervia della collina di Vosne, che durante la guerra veniva coltivato a topinanbur, tanto era povero il suo suolo. Così, nel 1950, il solo a presentarsi dal notaio, rispondendo a un annuncio pubblico per la vendita di una parcella di quel terreno esposto ai venti freddi, poco profondo, roccioso e calcareo, che nessuno voleva, fu Henri Jayer.
Nato nel 1922 a Vosne-Romanée, sin dalla fanciullezza si è alimentato della cultura dei mitici vini della Borgogna. Troppo piccolo per essere chiamato alle armi nella Seconda Guerra Mondiale, mentre i fratelli partivano per il fronte, il ragazzo che sognava di diventare un aviatore restò con il padre a curare la vigna di famiglia, di cui poi erediterà alcune parcelle di Echezeaux e Beaux Monts. Suo vicino di casa era René Engel, fondatore di una delle più prestigiose tenute della Côte d’Or e, nel 1942, del primo corso di laurea in enologia a Digione…

Francesco Antonio Selvi nacque a Firenze nel 1684, e qui si formò nella bottega del medaglista e scultore Massimiliano Soldani Benzi, dove apprese la tecnica della fusione e affinò l’occhio per la ritrattistica. Risulta menzionato tra i collaboratori che aiutarono Soldani nella realizzazione del monumento sepolcrale del Gran Maestro dell’Ordine di Malta, Antonio Manoel de Vilhena, commissionato nel 1729 da Niccolò Baldini per la concattedrale di San Giovanni alla Valletta. Con i suoi quarant’anni di attività, Selvi può essere considerato il più prolifico autore di medaglie della prima metà del XVIII secolo. Il primo esemplare noto firmato è datato 1711; l’ultimo è del 1753. Ad oggi gli sono attribuite su base documentaria, stilistica o in quanto firmate, più di duecento medaglie diverse, tutte realizzate in bronzo. L’apprendistato presso Massimiliano Soldani Benzi, che proprio alla fine del XVII secolo era stato nominato Maestro della Zecca di Firenze, permise a Selvi di entrare facilmente nelle grazie della Corte granducale. L’opera medaglistica più significativa, per la quale viene ricordato, è la Serie medicea, di cui esistono due versioni cronologicamente distanti…

Amabile e intrigante, talentuoso e vanitoso oltre misura, Giovanni Boldini è l’esempio di come una maniera possa divenire sia tratto identificativo di una stagione di straordinario sviluppo economico, politico e sociale – come la Belle Époque che tra Otto e Novecento esalta il potere della borghesia nata dalla rivoluzione industriale – sia un coacervo di geniali stilemi compositivi e cromatici, che rendono l’artista ferrarese riconoscibile tanto quanto un secolo dopo lo sarà il seriale e colorato Andy Warhol, cantore dei mitici anni Sessanta americani. È quindi molto interessante comprendere come si sia formato un autentico brend della storia dell’arte, amato e celebrato oggi come allora. Le opere di Boldini sono eleganti e ariose e giocano con la storia che si flette al piacere della pittura. Nelle scene galanti come nei celeberrimi ritratti l’artista rimane fedele a una percezione epidermica e sensoriale, che esalta la pittura per la pittura, la bellezza per la bellezza…

Andrea Brustolon, definito da Honoré de Balzac “il Michelangelo del legno” nel suo romanzo “Le cousin Pons”, nasce a Belluno nel 1662. Da qui partirà la sua carriera che lo porterà ben presto a divenire uno dei massimi protagonisti della scultura veneta tra Sei e Settecento, ancora memore della forza plastica del tardo barocco, ma già rivolta a una esuberanza virtuosistica che pare precedere il rococò. Nel 1677 si trasferì a Venezia formandosi nella bottega del genovese Filippo Parodi – già allievo di Gian Lorenzo Bernini – dal quale apprese l’eleganza compositiva e l’uso sapiente del movimento che alleggerisce le masse: stilemi che resteranno la cifra distintiva della sua maniera…

La Manifattura di Vienna, la seconda più antica d’Europa, fu fondata nel 1718 da Claudius Innocentius du Paquier, venendo incontro al desiderio della corte viennese di avviare una produzione propria di porcellane che contrastasse quella di importazione cinese. Grazie alle sue relazioni diplomatiche con tutta Europa, e al privilegio concessogli da Carlo VI, du Paquier accolse le maestranze che, fuggite da Meissen, portarono con sé le competenze tecniche e artistiche per la fabbricazione della porcellana dura, conservate gelosamente dalla manifattura sassone nella rocca di Albrechtsburg…

Audemars Piguet è una delle manifatture più prestigiose dell’Alta Orologeria svizzera. La sua storia ha avuto inizio nel 1875 a Le Brassus, nella Vallée de Joux, grazie all’intraprendenza e allo spirito visionario di due amici, Jules Louis Audemars ed Edward Auguste Piguet: dopo 151 anni è uno dei pochi marchi storici dell’orologeria ancora di proprietà delle famiglie fondatrici. Audemars Piguet da subito si inserì in un contesto locale all’epoca già fiorente (Jaeger-Le Coultre, Breguet, Blancpain) con orologi da tasca complicati, dotati di calendario perpetuo e ripetizione minuti. In controtendenza rispetto alla moda dell’epoca, fu verso la fine del XIX secolo che la Manifattura fece la scelta coraggiosa di dedicarsi alla realizzazione di orologi da polso, e presentò il suo primo modello con ripetizioni minuti nel 1891. Il successo dette modo all’azienda di espandersi con filiali a Berlino, Londra, Parigi, New York, e i loro movimenti divennero molto richiesti, anche nel settore della gioielleria, come ad esempio Tiffany New York. L’affidabilità di Audemars Piguet ha fatto sì che l’azienda superasse la Grande Guerra, il crollo di Wall Street del 1929, la Grande Depressione e la Seconda Guerra Mondiale. All’inizio degli anni Settanta, con la crisi del quarzo, la Manifattura si trovò di nuovo a fronteggiare una difficile situazione finanziaria, che la indusse a una svolta dirompente facendo proprio lo spirito audace dei suoi fondatori, dalla quale uscì con un orologio rivoluzionario che non si era mai visto prima: il Royal Oak, la nascita di una icona…

Picasso ha divorato la pittura, la scultura, la ceramica e qualsiasi manifestazione d’arte che il ‘900 poteva offrirgli; ha prosciugato alla fonte tutti i segni, le forme e i colori che i secoli precedenti avevano pazientemente raccolto, fondando la cultura figurativa occidentale. Picasso il cannibale, che sperimenta dal primo all’ultimo giorno della sua frenetica e stupefacente vita tutte le galassie della creatività umana, con una passione e una freschezza commoventi. La forza vigorosa della giovinezza, come la nascita di una sorgente d’acqua, si è alimentata ossessivamente nelle infinite maturità dell’artista, per divenire nell’ultimo tratto della sua produzione una travolgente cascata di idee primigenie…

L’attività di Gio Ponti è complessa e poliedrica, spaziando dalle ville ai grattaceli, dalle cattedrali alle navi, dalle riviste al design. Per Ponti l’architettura è una continua rilettura delle fonti che brillano come i lati di un cristallo: è pura, finita, chiusa, esclusiva, incontaminata e perpetua, come asseriva Andrea Palladio, capace di sconfiggere la caducità del tempo. Una profonda affinità spirituale lega Gio Ponti al grande architetto veneto del Cinquecento, che egli considera il suo maestro d’elezione e modello di forme essenziali, che rendono tangibile l’eterea sostanza delle idee e dei sogni…